Ou como um homem de lata foi alçado ao estrelato no papel e na película

Por quase 40 anos, o Homem de Ferro pertenceu ao segundo escalão do panteão da editora, mesmo sendo membro fundador dos Vingadores.

E não por falta de potencial, mas por causa de um simples círculo vicioso: nesse período, os personagens mais populares eram o Homem-Aranha e os X-Men, atraindo os melhores roteiristas e desenhistas por períodos mais longevos, resultando em boas histórias que se refletiam nas vendas.

Mesmo boas passagens, como a de David Micheline e Bob Layton no final dos anos 70 e por boa parte dos 80 (com a célebre história Demônio na Garrafa, que introduzia o tema do alcoolismo na vida de Tony Stark), não eram suficientes para quebrar a sina. Foi só em meados da década de 00 que esse quadro se alterou.

Olhando em retrospecto, diria que uma conjunção de fatores catapultou Tony Stark à posição de destaque no Universo Marvel (mesmo que sua revista solo ainda esteja longe de ser campeã de vendas), e que muitos (senão todos) tiveram a ver com o cinema.

A renascença do gênero de super-heróis no cinema

Tudo começou em 1998, com a adaptação de Blade pelo estúdio New Line. Um personagem do 3º ou 4º escalão da Marvel que obteve êxito relativo de público e crítica, abrindo caminho para a 20th Century Fox apostar em Bryan Singer e seus X-Men em 2000.

O cinema de super-heróis se provou um filão lucrativo com os mutantes, provocando uma corrida dos estúdios pela propriedade intelectual da Marvel (já que a DC pertence ao grupo Time-Warner).

O resultado imediato foi o sucesso de bilheteria ainda maior do Homem-Aranha de Sam Raimi (Columbia/Sony, 2002) e o incrível (haha) Hulk de Ang Lee pela Universal (2003).

Na sequência, as fracas adaptações de Demolidor (2003), Elektra (2005) e Quarteto Fantástico (2005) pela Fox, além do Justiceiro (2004) pela Lions Gate: filmes ruins, mas que renderam uma boa grana na bilheteria.

[quer uma panorama mais abrangente sobre o gênero no cinema? Leia aqui]

É provável que a essa altura tenha passado pela cabeça dos executivos da Casa das Ideias que, apesar de estarem ganhando muitos dólares com os acordos de licenciamento (não só dos estúdios, mas também de todo o merchandising advindo do renovado gosto do mercado por suas propriedades), provavelmente estavam deixando de ganhar muito mais se tivessem todo o controle de seus personagens.

Com o Motoqueiro Fantasma já vendido para a Columbia/Sony (estreando em 2007 com Nicolas Cage), só restara para a Marvel a trupe dos Vingadores. Se hoje parece muito, lembre-se que na época o público só tinha olhos para os X-Men e o Homem-Aranha. Homem de Ferro, Capitão América, Thor e cia. iam mal de vendas e de histórias.

Por uns dólares a mais: arrumando a Casa (das Ideias)

De novo, não passa de especulação deste vegetal que vos escreve, mas, de forma consciente ou não, a Marvel deu um tiro certeiro ao designar o então promissor Brian Michael Bendis para revigorar a revista dos Vingadores.

Bendis fazia bonito em HQs independentes como Jinx, Torso e Powers e fora contratado pela grande M em 2000 para dar vida à linha Ultimate, uma nova abordagem aos tradicionais heróis Marvel sem o peso da cronologia. O sucesso de sua nova versão do Homem-Aranha o levou ao Universo Marvel regular em 2001, com o Demolidor —que viveu uma de suas melhores fases sob a batuta do careca. Ainda em 2001, o prolífico roteirista ajudou na criação do selo MAX, que trazia histórias mais “adultas” e livres da cronologia principal. Sua série Alias foi novamente aclamada.

Chegamos novamente ao ponto chave que coincide com o fim da primeira leva de filmes de heróis, quando Bendis começou sua fase à frente dos Vingadores com a saga A Queda —um exercício de desconstrução da equipe, que causou barulho com a morte “definitiva” de personagens clássicos (entre eles o Visão e o Gavião Arqueiro, que obviamente voltaram dos mortos algum tempo depois) e plantou as bases para a revigoração da linha editorial entre 2004 e 2005, conduzindo o tradicional time de heróis a uma posição que não ocupava há muito tempo (e que sua versão Ultimate por Mark Millar e Bryan Hitch —Os Supremos— conquistara de primeira): a de mais populares da editora.

À reboque, a Marvel trouxe novos autores para revitalizar o trio principal.

Ed Brubaker ficou com o Capitão América, transformando o escoteiro bandeiroso num personagem rico, cheio de nuances e conflitos, em histórias de ação e espionagem.

O poderoso Thor ficou a cargo de J. M. Straczinski, que reintroduziu o panteão nórdico em Midgard (a nossa Terra) após o Ragnarok (espécie de apocalipse para os deuses vikings) no local mais inusitado (uma cidadezinha do Novo México) e da forma mais inesperada (bem, isso você vai ter que descobrir lendo as primeiras edições, que valem à pena).

[curiosidade: Straczinski, que além de roteirista de quadrinhos também ataca na TV e cinema, criou histórias para o antigo desenho animado dos Caça-fantasmas, com destaque para o episódio que faz ligações com o 1º filme e explica tanto os uniformes coloridos do desenho quanto a amizade com o Geleia]

E Warren Ellis assumiu as 6 primeiras edições da nova série do Homem de Ferro (entre 2005 e 2006), o arco conhecido como Extremis, em que estabelece um recomeço para o herói de armadura. Foi o início da mudança de status quo do latinha no Universo Marvel.

Homem de Ferro: Extremis — um reboot que rendeu

A história é um thriller sobre um vírus tecno-orgânico chamado Extremis, desenvolvido por Maya Hansen e Aldritch Killian num laboratório financiado pelas Forças Armadas dos EUA. O experimento é capaz de reescrever o código genético de uma pessoa e transformá-la num super-humano.

Logo no início, é estabelecido o cenário: num depósito abandonado, um grupo injeta algo voluntariamente num homem chamado Mallen, que sofre dores horríveis e vomita as tripas; Tony Stark está trancado há dias em sua oficina e passa por uma crise pessoal, quando sua secretária o desperta para um compromisso marcado há nove semanas; Killian aparece escrevendo uma carta em que confessa ter vazado uma amostra do Extremis, onde diz estar ciente de que liberou algo terrível, mesmo sabendo que isso “precisava acontecer”. Em seguida, comete suicídio.

O tal compromisso de Tony era uma entrevista para um documentário antibelecista. Um flashback reconstitui o momento em que ele é alvejado por um estilhaço de um explosivo fabricado pelas Indústrias Stark, atualizando a ação para os conflitos com o Taleban no Afeganistão. Tony é massacrado pelo entrevistador, que o confronta com o passado armamentista de sua indústria e suas consequências. Vemos um homem corroído pela culpa e pela responsabilidade, tentando dar a volta por cima.

Enquanto isso, Maya Hansen relembra o encontro com Tony Stark num congresso e decide contatar o velho amigo após os acontecimentos no laboratório. Pra um milionário, é fácil: questão de pegar o jatinho, participar de uma reunião virtual com a diretoria da empresa sobre o lançamento de um smartphone durante o voo, encontrar a amiga no laboratório e sugerir um almoço com o mentor bicho-grilo em outro estado.

[e é interessante notar como o ápice da tecnologia embarcada em um gadget fictício de 2005 parece completamente obsoleto perto de um iPhone ou Nexus. Vivemos no futuro e muitas vezes não nos damos conta disso]

Não demora para que Mallen ressurja aprimorado pelo Extremis. E para seu plano vir à tona: um ataque terrorista sangrento contra o escritório do FBI em Houston, com direito a murros que atravessam cabeças e a cuspidas de fogo.

Assim que Maya e Stark ficam sabendo do ocorrido, é hora do Homem de Ferro entrar em ação para impedir que o Mallen turbinado cometa mais atrocidades e consiga chegar à Casa Branca.

A história segue numa aula de narrativa, uma combinação perfeita entre o texto (e subtexto) afiado de Ellis e a arte detalhista e fotorrealista de Adi Granov. É tensa e reflexiva, espetacular e intimista, crítica e escapista. No fim, temos um Tony Stark 2.0 e um novo Homem de Ferro, aprimorado pelo Extremis: mais rápido, mais forte, mais poderoso e mais inteligente, pronto para se tornar o “piloto de testes para o futuro” e assumir papel central no Universo Marvel, começando pela reconstrução dos Vingadores.

De volta para o futuro: uma aposta arriscada em Hollywood e a Lei de Lavoisier

Um par de anos mais tarde, a Marvel Studios deixava de ser apenas licenciadora para se aventurar na produção integral de seu primeiro filme. Homem de Ferro seria lançado em 2008, sob muita desconfiança (“personagem de segundo escalão? Sem vilões memoráveis? O problemático Robert Downey Jr. no papel principal de um blockbuster? Com o diretor de Zathura e Um Duende em Nova York no comando? Pfff!”), o que serviu apenas para exacerbar o êxito obtido nas bilheterias, nas críticas e junto à comunidade de fãs.

Não acredito que seja coincidência o fato de muitos dos conceitos apresentados nas 6 edições do arco Extremis terem ganhado vida nos 3 filmes do herói.

A origem atualizada do Homem de Ferro, a atitude sui generis de Tony Stark e o resgate de seu passado belicista há muito tempo deixado de lado nas revistas estão no 1º filme.

O próprio vírus Extremis aparece no fecho da trilogia, junto com Hansen, Killian e Mallen, personagens que foram reaproveitados, ainda que totalmente reformulados.

Sem contar o DNA do design de Granov, espalhado por toda a saga no cinema e mais especificamente no 2º episódio, com a armadura que traz o reator triangular. O artista, afinal, participou como consultor e depois como ilustrador conceitual na produção dos filmes.

Se todo esse movimento no cinema e nos quadrinhos foi parte de um plano estratégico de longo prazo da Marvel para dominação mundial com o núcleo dos Vingadores, ou apenas o aproveitamento das oportunidades que sobraram após licenciar quase a totalidade de sua propriedade intelectual para terceiros, apenas Kevin Feige (o homem forte da Marvel Studios) e Joe Quesada (seu equivalente na editora) podem responder.

Mas o mais interessante para quem acompanha as histórias no papel e na tela grande é ver como ambas as mídias conseguem viver ao mesmo tempo em simbiose e em paralelo, uma retroalimentando a outra numa trajetória em espiral.

Homem de Ferro é o melhor exemplo dessa relação: uma HQ que sofreu uma correção de rumos, provavelmente levada (ou forçada) pelos acontecimentos em Hollywood, serviu de base para a incursão da editora em terreno cinematográfico, e que, por sua vez, influenciou a criação de novas histórias no papel que serviram de fonte de inspiração para o 3º filme –para aproveitar o uso de Obadiah Stane no filme de 2008, personagem sepultado nos quadrinhos desde a metade da década de 80, Matt Fraction e Salvador Larroca resgataram do limbo seu filho, Ezekiel Stane, numa trama de 2009 chamada Os 5 Pesadelos, sobre homens-bomba que utilizavam tecnologia Stark para ataques terroristas. No filme de 2013, esse conceito foi reciclado junto com o arco Extremis, com Aldritch Killian assumindo o papel que fora de Ezekiel e o vírus servindo de gatilho para as auto-explosões.

Lições e reflexões

Com o fim da Fase 1 das produções próprias da Marvel Studios —composta por Homem de Ferro 1 e 2, O (não tão) Incrível Hulk, Thor, Capitão América: O Primeiro Vingador e Os Vingadores— e o início auspicioso da Fase 2 (além de Homem de Ferro 3, teremos as partes 2 de Thor e Capitão América e o inédito Guardiões da Galáxia, culminando em Vingadores 2), há de se reconhecer que houve mais acertos que erros na gestão interna de seus personagens e marcas.

Enquanto o Hulk não conseguiu se firmar em sua aventura solo, o mesmo não se pode dizer de sua participação no filme da equipe. Thor teve um primeiro filme problemático, ainda que sob a batuta de Kenneth Branagh. O Capitão América conseguiu extrair leite de pedra e Homem de Ferro é sucesso escancarado.

A escalação de Joss Whedon para tocar os Vingadores inaugurou uma tendência esperta de trazer diretores criativos ainda não consolidados em Hollywood. Tendência que parece se confirmar com Shane Black no Homem de Ferro 3 e Alan Taylor em Thor: Reino Sombrio. Mais do que criativos, esses nomes têm uma ligação peculiar com seus respectivos filmes: Whedon é o nerd por excelência, apaixonado por quadrinhos e especialista em histórias de equipe (como provou nos roteiros de uma das melhores fases dos X-Men nas HQs, do seriado Firefly e do espetacular Toy Story); Black não só deu a luz a icônica série Máquina Mortífera, como também pode ser considerado especialista na revitalização da carreira de Robert Downey Jr., com seu Beijos e Tiros; e Taylor desembarca numa aventura mitológica saído diretamente da direção de episódios de Game of Thrones (sem contar os outros grandes seriados da TV americana que dirigiu: Lost, Sopranos, Mad Men, Oz, The West Wing, Sex and the City, Boardwalk Empire, Rome, Six Feet Under e Deadwood).

Se até 2015 a Marvel Studios parece estar nos trilhos, a situação a partir daí deve trazer uma série de desafios.

Já anunciados para a Fase 3, os filmes do Homem-Formiga (por Edgar Wright) e do Dr. Estranho vão botar lenha na discussão sobre o potencial de personagens obscuros numa mídia de massa. Discussão que será retomada ainda em 2014, com a estreia da incógnita Guardiões da Galáxia.

E se as opções de novidades viáveis começarem a se esgotar, algumas franquias ainda podem retornar para suas mãos: o Demolidor, por exemplo, já deixou a Fox, seguindo o mesmo caminho do Hulk na Fase 1.

A batalha mais dura certamente será travada no campo das finanças: a luta para bancar as estrelas que ajudou a criar, como já acontece na negociação salarial com Downey Jr. Uma derrota aqui certamente será acompanhada de um revés criativo, o famigerado reboot.

Se a Marvel Studios continuará com sua taxa de sucesso, só o tempo dirá. Mas sua trajetória já é, no mínimo, espantosa. Continuemos acompanhando, pois.

Postado com o Blogsy

O primeiro blockbuster de super-herói do ano chega elevando o patamar para a concorrência.

Homem de Ferro 3 inaugura a fase 2 da Marvel no cinema com o pé direito, trazendo uma pegada diferente para a série, ao mesmo tempo em que mantém os acertos dos filmes anteriores. E os louros têm nome e sobrenome: Shane Black.

O homem responsável pelos roteiros dos Máquina Mortífera mantém, no geral, os 100% de aproveitamento em seu segundo trabalho na cadeira de diretor (quem ainda não viu Kiss Kiss Bang Bang, o filme que deu início à recuperação da carreira de Robert Downey Jr., está vacilando). Não há ninguém em Hollywood que saiba casar tão bem ação e humor como Black.

Tudo começa com Tony Stark (Robert Downey Jr.) recapitulando eventos que ocorreram antes de ter se tornado o vingador dourado e que voltam para assombrá-lo numa época particularmente ruim de sua vida. Após a acachapante conclusão de sua aventura com Os Vingadores, Stark está com seu emocional em frangalhos. Entra em cena o Mandarim (Sir Ben Kingsley) e a ameaça de uma poderosa organização terrorista atuando em solo americano com homens-bomba. Quando uma pessoa próxima ao herói é ferida num dos atentados, Tony Stark clama por vingança e atrai o alvo para sua mansão em Malibu. Sua arrogância tem preço e emite cheques que seu ego não é capaz de compensar. O confronto é violento, Stark leva a pior e tem de recomeçar sua jornada do zero, privado de quase todos os recursos, tendo apenas a sua genialidade abalada para tentar dar a volta por cima. O clima é mais pesado do que os anteriores, sem cair no dilema de “filme sombrio do Nolan“.

O roteiro de Shane Black e Drew Pearce toma emprestado elementos de 2 dos melhores arcos do Homem de Ferro nas HQs dos anos 2000 (Extremis, por Warren Ellis e Adi Granov, e Os 5 Pesadelos, por Matt Fraction e Salvador Larroca), adiciona antagonistas clássicos dos anos 60 (além do Mandarim, a IMA —Ideias Mecânicas Avançadas— dá o ar da graça), mistura a pataquada do Patriota de Aço pós-Invasão Secreta (da saga Reinado Sombrio, que me fez desistir de acompanhar as revistas mensais da Marvel), revira e repagina tudo, resultando numa aventura que não está nos gibis e que é bastante superior aos melhores momentos da versão em papel e tinta (além de um tanto incômoda frente à realidade cruel dos atentados em Boston).

O melhor exemplo da qualidade desse remix sem dúvida é o tratamento dado ao temível Mandarim. O que começa de forma aparentemente problemática e preguiçosa se transforma num dos maiores acertos da adaptação com uma guinada inesperada no roteiro. Guinada que deve amealhar protestos dos fãs mais ensandecidos, mas que funciona de modo mais do que satisfatório no cinema.

E como é bom ver um filme do ferroso sem um vilão de armadura! É pena que ainda tenhamos que aturar esse maldito vício de ligar qualquer antagonista de super-herói ao seu passado, o complexo de Frankenstein. É pedir muito que o vilão da vez seja apenas um louco maléfico com delírios de grandeza, sem nenhuma ligação prévia com o herói? Se Bin Laden fosse personagem de cinema de ação, certamente teria sua gênese no financiamento dos EUA contra a invasão soviética ao Afeganistão (ops…).

Vilões à parte, é interessante como Homem de Ferro continua a ser das poucas franquias em que o herói domina a tela, sem ser eclipsado pelo desempenho do antagonista da vez. Por mais que as performances do sempre competente Guy Pearce (dando vida nova à Aldrich Killian, um personagem que faz mera ponta de 2 páginas, 10 quadros, no início da HQ Extremis) e do próprio Kingsley sejam excelentes, Downey Jr. segue arrebatador com seu Tony Stark/Homem de Ferro. E o próprio personagem evolui: deixa de lado a persona de showman (natural, depois de perceber que não é o único super-herói do mundo e de enfrentar uma ameaça cósmica em Os Vingadores, muito além da compreensão humana) e assume sua porção introspectiva, sem perder o seu senso de humor peculiar. É de sua posição de vulnerabilidade que busca sua força, uma volta ao básico.

Por falar em humor, o reencontro de Shane Black e Robert Downey Jr. é repleto de tiradas cáusticas em momentos precisos. E as que envolvem crianças são definitivamente as melhores, por mais cruel que isso possa soar.

Outro elemento característico dos quadrinhos e filmes da Marvel e que não pode faltar é o time de coadjuvantes que ressalta a humanidade desses super-humanos. Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) e Happy Hogan (Jon Favreau) retornam ainda melhores, Don Cheadle nos faz questionar novamente por que diabos escalaram o fraco Terrence Howard como James Rhodes no primeiro filme, e ainda temos o reforço bem-vindo de Maya Hansen (Rebecca Hall, a Vicky de Vicky Cristina Barcelona), a cientista por trás do Extremis (um experimento de biotecnologia para aprimoramento do corpo humano).

Um ponto alto que passa desapercebido durante a primeira sessão é a atenção com os detalhes que compõem a unidade do universo Marvel nas telas. Um deles é a presença de Yinsen (o cientista que salva a vida de Tony Stark na caverna dos terroristas em sua primeira aventura) na convenção na Suíça durante o flashback de abertura. O que pareceu apenas um easteregg do tipo “olha, estamos tentando criar um vínculo com o primeiro filme” na verdade é mais do que mera tentativa: revendo o primeiro Homem de Ferro, Yinsen cita que os dois já se encontraram anteriormente justamente em Berna. Há outros aspectos como esse que acabam jogando uma luz diferente nos filmes anteriores, criando questões que certamente serão exploradas no futuro da franquia. Minha aposta é que, mesmo com o desfecho surpreendente envolvendo o Mandarim e a Organização dos 10 anéis neste Homem de Ferro, ainda ouviremos falar deles.

Todo esse panorama ajuda a relevar a derrapada do final, que apesar de trazer uma sequência fantástica que eleva a adrenalina e arrepia os pelos do braço, cai na armadilha do maniqueísmo óbvio. E já que chegou a hora das espinafradas, o único momento em que Jon Favreau faz falta na direção é na trilha sonora, que perde toda sua veia roqueira. Ficamos mal acostumados com AC/DC, Black Sabbath, The Clash e Beastie Boys. Vale mencionar também que o 3D é dispensável pelos motivos de sempre: o filme perde contraste, cor e brilho, além de dar enxaqueca.

Mesmo com (poucas) falhas, Homem de Ferro 3 é um filme de ação espetacular e definitivamente o melhor da trilogia. Estreia nos cinemas de todo o Brasil no dia 26 de abril de 2013, nas versões 35mm e digital 2D, 3D, Imax 3D, e 4D.

P.S.

Fique atento para não perder a ponta de Stan Lee.

P.P.S.

Siga o conselho do tio Warren e aguarde o final da belíssima sequência dos créditos, pulp até a medula. A tradicional cena bônus é das melhores!

Postado com o Blogsy

…o maior truque que o diabo já executou foi convencer o mundo de que ele não existe…

House of Cards é a primeira série produzida exclusivamente pelo Netflix.

[A ótima Lilyhammer foi co-produzida com a TV norueguesa]

David Fincher é o nome por trás do show, na produção executiva —e também dirigiu os 2 primeiros episódios.

Estrelada por Kevin Spacey, Robin Wright (ex-Penn) e Kate Mara (irmã de Rooney Mara, que trabalhou com Fincher em A Rede Social e Os Homens que Não Amavam as Mulheres), e baseada na minissérie da BBC de mesmo nome —escrita por Michael Dobbs, também roteirista dessa versão e autor do livro de origem— House of Cards conta a história do congressista Francis Underwood e suas maquinações para… conquistar mais poder? Um cargo mais alto? Mais prestígio? Influência? Vingança?

Essas interrogações são a essência da 1ª temporada: Frank (Kevin Spacey) é um político influente, espécie de articulador-mor do congresso, e trabalhou na campanha que elegeu o atual presidente dos EUA em troca de ser “promovido” a Secretário de Estado. Quando o presidente assume, dá um chapéu em Underwood e indica outra pessoa para o cargo, desencadeando um plano obscuro que só fica claro no 11º de 13 episódios.

Kate Mara é Zoe Barnes, uma jornalista novata do Washington Herald, onde faz trabalho de estagiária. Inquieta, da geração internet, quer a todo custo o furo que vai catapultá-la ao estrelato.

É na relação dúbia entre o político e a jornalista que a série constrói seu castelo de cartas.

porque é bom

House of Cards tem todas as qualidades do que costumamos chamar de Renascença da TV estadunidense, capitaneada pelos canais HBO e Showtime (e de sua contraparte do outro lado do Atlântico, a BBC): é um seriado instigante, com alguma ousadia no tema e na execução, e produzido com muito esmero, a ponto de rivalizar com o cinema contemporâneo —e às vezes suplantá-lo.

O êxito de House of Cards está em seus personagens e elenco.

Frank Underwood é a força motriz do seriado, o mestre titereiro que conversa com o público e só parece um gênio invencível, mas que no desenrolar da trama se revela um jogador de pôquer a andar sempre no fio da navalha.

Zoe Barnes é a mistura perfeita entre ambição, atrevimento, esperteza e ingenuidade.

Além da excelente dupla de protagonistas, os coadjuvantes muitas vezes roubam a cena.

• A esposa de Frank, Claire Underwood (Robin Wright), um dos melhores papéis femininos em obras audiovisuais em anos. Fria e implacável, Claire consegue ser mais manipuladora e ter mais autoridade que o marido. Mete medo, sem alterar o tom de voz.
• Doug Stamper (Michael Kelly), o assessor de Frank, é outra figura interessante. De poucas palavras e muita ação, Stamper é ao mesmo tempo fiel escudeiro e executor da agenda de Frank Underwood. Lembra o personagem de Harvey Keitel em Pulp Fiction, The Wolf. É o tipo de cara que você chama quando precisa dar sumiço num carro ensanguentado.
• Peter Russo (Corey Stoll, que foi Hemingway em Meia-noite em Paris), o personagem mais trágico de House of Cards num show de interpretação. Russo é um deputado jovem, viciado em sexo, drogas e bebida, que se torna joguete nas mãos de Underwood, um instrumento para seus objetivos. Seu arco, que vai do fundo do poço a um breve momento de redenção, é dos mais tocantes da série.

E além destes, há ainda o restante do elenco de apoio que mantém o nível de atuação, mesmo sem tanto destaque. Fazem parte deste universo o próprio presidente (um bolha), a jornalista sênior que cobre política no Herald (uma escrota), a assessora do presidente (uma mosca morta que dá nos nervos) e a secretária de Russo (inocente e cheia de boas intenções), entre outros.

A estrutura é praticamente de faroeste, privilegiando duelos verbais. E dá-lhe Spacey X Wright, Mara X Spacey, Spacey X Kelly, Kelly X Stoll, Mara X Wright… Se os diálogos não têm a velocidade de Aaron Sorkin em The Newsroom, possuem a mesma contundência.

porque é duca

A trama em si é muito bem costurada. Como já foi dito, mesmo que você tenha uma vaga noção dos objetivos do casal Underwood (sim, porque Claire trabalha com duas agendas: a do marido e a própria, envolvendo sua ONG de Responsabilidade Social e Ambiental. Eventualmente, elas se cruzam e se chocam), a construção é meticulosa e não dá pra ter uma ideia do quadro geral até ser tarde demais. Traduzindo: cada episódio é uma peça do quebra-cabeças e termina apontando o caminho para o próximo. É impraticável largar o seriado no meio, porque demasiado intrigante.

O trabalho de direção é bastante consistente, mesmo com a troca constante de diretores. Até dá pra perceber um estilo mais pessoal se você estiver atento (os episódios de Fincher são pura construção de clima, enquanto que os dirigidos por Joel Schumacher vão fundo nos conflitos, por exemplo), mas sem destoar do conjunto.

A forma de produção —com ZERO interferência criativa de estúdio— e distribuição do seriado sem dúvida merecem destaque. Ter a temporada completa disponível, dublada e legendada, com data de estreia mundial, para ser assistida como e quando quiser e sem intervalos comerciais é um feito digno da Era Pós-TV e um novo paradigma. O melhor sem dúvida é poder escolher o próprio ritmo: assim como deve ter gente que optou por maratonas devido à fartura de episódios, assistindo a tudo em 1 ou 2 dias, aqui em casa optamos por degustar em doses homeopáticas, dividindo cada episódio em meia hora por dia e ainda intercalando com Arrested Development. Gostaria de ver alguns números do Netflix para entender qual é a tendência nesse novo cenário.

Juntando tudo isso, o que mais chamou a atenção —o fator “duca“— é o enfoque nos bastidores: da política, do jornalismo, das relações familiares. O que se vê é pura invasão de privacidade, um mergulho na intimidade desses círculos tão distintos. E a riqueza está nos detalhes: não à toa, há uma profusão de pés descalços (algo nada comum na TV ou cinema, quase tão raro quanto um personagem ir ao banheiro), imperfeições de caráter em praticamente todos os personagens e muito uso de SMS —a forma de comunicação privada por excelência em nossa época.

A se lamentar, apenas a falta de conclusão para o season finale. Tudo será resolvido na vindoura segunda temporada. A única certeza é que, como todo castelo de cartas, uma hora vai desabar. E pobre de quem ficar embaixo.

Postado com o Blogsy

Bem, não deu pra conferir o Lollapalooza in loco por motivos de preços abusivos (não, não sou estudante e me recuso a entrar na farra da carteirinha falsa). A alternativa foi acompanhar a transmissão do Multishow e, mesmo assim, não deu pra ver tudo —feriadão de Páscoa, aniversário do filho da prima e duas viagens, sabe como é. Então, um rápido balanço do que pude assistir.

#lollanosofá

***

A impressão que fica é que 2 dias de festival davam conta do recado. A grande maioria foi de shows mornos, para tapar buraco.

***

Não sei como estava o som no Jockey, mas pela TV a sensação é que: a) não souberam microfonar direito os instrumentos (a bateria sempre esteve apagada) e/ou b) a mixagem na mesa de som foi completamente amadora (só o vocalista principal se sobressaía, guitarras apagadas, baixos inexistentes).

***

No 1º dia, o destaque ficou com Of Monsters and Men: convenhamos que não é fácil para uma banda relativamente desconhecida do público segurar a peteca durante uma hora de show no meio da tarde e debaixo de chuva, e foi exatamente o que o OMaM fez. Muita simpatia, música alegre e bem tocada (a despeito de metade do show ter se passado com o microfone da Nanna Bryndís Hilmarsdóttir num volume extremamente baixo), fez o público dançar e bater palmas. Gosto de bandas que criam uma identidade forte a ponto de se apropriarem de músicas de terceiros, como foi o caso com a cover dos Yeah Yeah Yeahs!

The Temper Trap: não foi (de todo) mal, mas não deu pra aguentar mais do que meia hora dum rockinho esquálido.

Cake: um bolo que passou do ponto. Chato e tocando mal como banda de colégio, até levantou a plateia com seus hits. E deu outro sentido à palavra tenebroso quando resolveu fazer cover de War Pigs do Black Sabbath.

The Flaming Lips: deixou a plateia em peso com cara de interrogação diante de Wayne Coyne e seu bebê tecnoorgânico. Apresentou várias inéditas de seu próximo disco, um som mezzo gótico, mezzo progressivo, que não agradou. Sejamos sinceros, não é porque a banda é queridinha dos indies que não pode ser criticada. Não foi show pra festival, hermético demais, e os próprios pareceram descontentes com o resultado ao voltarem pras coxias: rolou uma reunião rápida entre os integrantes, com muito balançar negativo de cabeça. Essa foto do Instagram resume bem a sensação.

… yesss…first poop in blue leather pants…

deadmau5: música eletrônica de qualidade e visualmente impressionante, perdeu toda relevância no sofá. Era pra dançar no meio da galera.

The Killers: por mais pasteurizado que seja o som dos Killers, é perfeito para festival. Muitos hits, muita animação, plateia em êxtase. Gosto dos 3 primeiros discos, mas confesso que não dá pra ouvi-los em sequência. Os agudos de Brandon Flowers cansam e foi assim pela TV, ainda mais com o vocal ganhando tanto destaque na mesa de som.

***

O 2º dia começou com a bizarrice do Tomahawk, causando mais do efeito cara de paisagem na plateia. Mas bastou Mike Patton destilar seu vocabulário em português pra cair no gosto popular. No repertório, metal experimental berrado que agradou os poucos fãs e despertou pesadelos na galera que foi atrás de rock sonso.

Perdi os shows do Franz Ferdinand e Alabama Shakes, duas bandas que adoro. Pelos comentários, parecem ter sido bem bons.

Queens of the Stone Age: fizeram o show do dia. Banda competentíssima, Josh Homme endiabrado, o novo baterista sentando a mão e um baixista Charada (não sei quem era e não consegui descobrir. Se for o Nick Olliveri, o bicho passou por um remake nas mãos do Dr. Rey). Apresentação que só não foi perfeita pela curta duração, calcada no álbum Songs for the Deaf + alguma coisa de Rated R e Era Vulgaris + uma música inédita do álbum porvir. Riffs de levantar defuntos.

A Perfect Circle: música e show para enterrar os defuntos acordados com a apresentação anterior. Perfeito para uma pausa para jantar e ainda beneficiou diretamente os Black Keys, acalmando os ânimos pós-QotSA.

The Black Keys: músicas bacanas e bem executadas —começando com Howlin' for You (do excelente álbum Brothers) em registro acelerado, banda de apoio funcionando, mas faltou um je ne se quoi.

***

Passei grande parte do 3º dia na estrada, chegando apenas na metade do Kaiser Chiefs. Dos shows que perdi, o que me deixou mais curioso foi o Foals, pelos comentários completamente divididos (vi coisas desde “melhor show do festival” até “a banda não compareceu”). Do pouco que peguei dos Kaiser Chiefs, o negócio pareceu bem animado.

Se bem que animado vira eufemismo quando começa um show dos Hives. Os suecos liderados por Pelle Almqvist simplesmente incendiaram o Jockey, dando baile em muita gente com mais nome e mais quilometragem. De black tie e fazendo uso de todo o palco e adjacências, The Hives mais pareciam a gangue de Alex e seus drooguies em Laranja Mecânica atacando de punk rockers ligados no 220. Mesmo tendo exagerado um pouco aqui e ali no falatório, foi sem dúvida o show mais divertido que vi do sofá.

O Planet Hemp veio na sequência e fez o que se esperava deles. Som bacana, muita chapação e muita apologia à maconha.

E o Multishow, que tanto anunciou o Pearl Jam, deixou os sofazistas na mão. Eddie Vedder vetou a transmissão, gerando muitos protestos no Twitter. Quem esteve lá disse que foi o melhor show do Lollapalooza e eu acredito. O Pearl Jam, afinal, era a única banda de gente grande no lineup. O @espinafrando pôde assistir Game of Thrones (que foi o máximo) e todos viveram felizes para sempre.

***

Faço votos que no ano que vem a farra da meia-entrada seja extinta (embora duvide disso) e que os ingressos inteiros estejam por um preço comprável.

Postado com o Blogsy

Os discos a seguir não estão em promoção, como na parte 1, mas também não se pode chamar de caros.

O quê: basta clicar na capinha que o link te leva direto ao iTunes.

Os preços estão em dólar —para chegar no valor em reais, basta multiplicar pela cotação do dia e somar o IOF (ou então multiplique por 2 e uns quebrados que dá pra ter uma noção).

3º dia

Kitsuné: New Disco (Single) – Database

Dupla paulistana que faz dance music bacana, mas ruim para o horário (14:00). US$1,99.

Holy Fire – Foals

Bom equilíbrio entre guitarras e sintetizadores, o Foals deve basear seu show neste último (e empolgante) disco. Se deixar de lado as baladas climáticas e apostar nos rocks, tem tudo para ser o ponto alto da tarde. US$9,99.

Exit Wound (Remixes) [feat. Greg Puciato] EP – Mixhell

Tocando no mesmo horário que os Foals, o set eletrônico do Iggor Cavallera —aquele mesmo, ex-Sepultura— e esposa deve (ou merece) ficar às moscas. Não que seja ruim, mas é um eletrônico genérico e os Foals são mais instigantes.

The Future Is Medieval – Kaiser Chiefs

Os britânicos do Kaiser Chiefs nunca fizeram o tipo de música que vai mudar o mundo, mas seus álbuns costumam ter pelo menos um par de hits cada um. Se basearem sua apresentação nesses pontos fortes, devem entreter e ajudar a passar a tarde. (E, convenhamos, é uma opção melhor do que Vanguart, que toca no mesmo horário). US$8,99.

Your New Favourite Band – The Hives

The Hives, os suecos malucos do rock de garagem simples, rápido e potente, devem animar o começo de noite no palco principal com um show energético, botando a galera pra pogar. US$8,99.

In Our Heads – Hot Chip

Dance music inofensiva e deslocada no tempo: apesar do Hot Chip ter iniciado suas atividades em 2000, passaria fácil por uma banda dos anos 80. Como tocam no mesmo horário que o Planet Hemp, deve rolar um apartheid social: mauricinhos no Palco Alternativo, dando as costas para os malucos do palco Butantã (e sendo engolidos pela fumaça).

Box Planet Hemp – Planet Hemp

Enquanto as letras monotemáticas sobre maconha dão preguiça, a mistura de rock, rap e funk do Planet Hemp é poderosa o suficiente para chacoalhar o Jockey, neste que deve ser o último show do revival da banda. Esta compilação dos álbuns da banda não tem preço, literalmente, porque a gravadora não licenciou os direitos para o iTunes. Só é possível comprar as músicas individualmente. E lembrem-se, meninos e meninas: curtam o som, mas não usem drogas.

Live On Ten Legs – Pearl Jam

E, enfim, O show deste Lollapalooza. Esse dá pra afirmar veementemente que não tem como ser menos do que sensacional. Deve gerar o mesmo tipo de satisfação que a última passagem do sobrevivente de Seattle pelo Brasil. Na dúvida por selecionar um álbum, fique com o último registro ao vivo “oficial”, que dá uma boa ideia do que deve rolar no Jockey no domingo. Ah, e é bem provável que pintem músicas do novo álbum que está pra sair (Olé é praticamente certa). US$9,99.

***

Bom para: pra quem vai, se preparar para cantar todas no Lollapalooza. Pra quem fica, curtir boa música nos fones de ouvido.

Postado com o Blogsy

O quê: basta clicar na capinha que o link te leva direto ao iTunes.

Os preços estão em dólar —para chegar no valor em reais, basta multiplicar pela cotação do dia e somar o IOF (ou então multiplique por 2 e uns quebrados que dá pra ter uma noção).

2º dia

El Camino – The Black Keys

Último e mais radiofônico álbum dos Black Keys, não à toa foi responsável pela explosão da banda, alçada ao status de headliner de festival. A novidade é o maior uso de backing vocals. O peso do rock está mais balanceado, o som está mais polido, as composições tem cara de modernas e a identidade da banda está consolidada e madura: você não escuta mais buscando referências, o som é dos Black Keys e ponto. Discaço. E tem tudo pra ser um grande show. US$9,99.

Rated R (Deluxe Edition) – Queens of the Stone Age

O seminal Queens of the Stone Age tem cancha pra ser headliner e deve fazer o show mais energético do dia, mesmo “abrindo” para os Black Keys. A apresentação será uma interrogação até subirem ao palco: qual será a formação? Tocarão músicas inéditas do disco que está pra sair? Haverá a parceria já ventilada com os membros do Pearl Jam? O que Nick Oliveri (o peladão do Rock in Rio III) aprontará dessa vez? A única certeza: será imperdível!

Nessa versão Deluxe do 2º álbum da banda (o 1º com Nick Oliveri no baixo), dá pra encontrar um pouco de tudo do que a mente criativa de Josh Homme é capaz: há heavy metal, punk, hard rock, balada, hardcore melódico, grunge, distorção e até ecos de Marisa Monte (!?)… tudo baseado em riffs perfeitos marcando os ritmos variados. US$13,99.

Boys & Girls – Alabama Shakes

Se o QOTSA deve ser o show mais eletrizante, os Alabama Shakes definitivamente farão o show com mais alma (soul). Por terem apenas um disco, acho que é seguro esperar por alguma cover esperta na linda voz de Brittany Howard. Pena que vai dividir público com o Franz Ferdinand. A resenha desse disco obrigatório (foi o 2º melhor disco do ano passado, de acordo com um site chamado espinafrando.com)? Você encontra aqui. US$9,99.

Oddfellows – Tomahawk

Metal pesado do inferno com o poder destrutivo do míssil que dá nome à banda, trazido a vocês pelo showman Mike Patton, o senhor Faith No More. No mesmo horário do Gary Clark Jr. US$9,99.

Blak and Blu (Deluxe Version) – Gary Clark Jr.

Uma espécie de Lenny Kravitz da nova geração. É tecnicamente bom, mas sem um pingo de alma. Neste álbum, cujo ponto mais interessante é a cover de Jimi Hendrix, Gary Clark Jr. passeia por vários estilos: rock tipo Bruce Springsteen, soul tipo Marvin Gaye, R&B tipo qualquer banda genérica do estilo, rock-blues tipo Black Keys… pode ser perfeito pra quem define seu gosto musical como eclético, mas não acrescenta nada de autêntico pra história da música. US$9,99.

Hot Sauce (EP) – Zeds Dead

Eletrônico bem chatinho, no mesmo horário do Alabama Shakes e Franz Ferdinand. Mas merece a menção por ter um dos nomes mais legais da década. US$3,99.

Fabienne: Whose motorcycle is this?

Butch: It's a chopper, baby.

Fabienne: Whose chopper is this?

Butch: It's Zed's.

Fabienne: Who's Zed?

Butch: Zed's dead, baby. Zed's dead.

Beacon (Deluxe Version) – Two Door Cinema Club

Um Killers genérico e ainda mais pop do que a matriz. Empolgante e esquecível na mesma medida, deve ser um bom interlúdio (haha) durante o festival. US$12,99.

***

Bom para: pra quem vai, se preparar para cantar todas no Lollapalooza. Pra quem fica, curtir boa música nos fones de ouvido.

Postado com o Blogsy

O quê: basta clicar na capinha que o link te leva direto ao iTunes.

Os preços estão em dólar —para chegar no valor em reais, basta multiplicar pela cotação do dia e somar o IOF (ou então multiplique por 2 e uns quebrados que dá pra ter uma noção).

1º dia

Battle Born (Deluxe Edition) – The Killers

Seguindo a mesma pegada do penúltimo álbum, os Killers ficam cada vez mais pop. Brandon Flowers continua arrebentando nos vocais e agora temos como novidade as baladas pra dançar em bailinho da escola (ainda existem?). The Rising Tide parece ser a melhor faixa. US$12,99.

My Head Is an Animal – Of Monsters and Men

Já falei desse disco aqui e aqui. Deve ser fácil o melhor show do dia, embora não faça ideia de como o Of Monsters and Men irão se comportar diante de uma plateia gigante. E você sempre pode sair dizendo que virou fã dos vocais e guitarras de Nanna Bryndís Hilmarsdóttir e Ragnar Þórhallsson, dos solos de Brynjar Leifsson, do baixo de Kristján Páll Kristjánsson, do acordeão de Árni Guðjónsson e da bateria de Arnar Rósenkranz Hilmarsson (claro, se você fizer ideia de como se pronuncia o nome dessa galera de Reykjavík). US$9,99.

The Flaming Lips and Heady Fwends – The Flaming Lips

Estou absolutamente fascinado pelos Flaming Lips, depois de uma imersão total em sua discografia. Não é que todos os álbuns tenham me agradado, pelo contrário. Mas os que passaram pelo crivo são biscoito fino. Este aqui é o mais “eletrônico” dos que escutei, cheio de efeitos e aproveitando o estéreo ao máximo. A música é densa, pesada (num sentido espiritual), lírica.

E tem a cover de The First Time Ever I Saw Your Face, em parceria com Amanda Palmer, que gerou esse clipe cabuloso aí de cima. A canção é de autoria de Ewan MacColl, composta no final dos anos 50, e foi regravada por mais de 7 dezenas de artistas (incluindo Elvis Presley, Johnny Cash, Roberta Flack, Diana Ross, José Carreras, Isaac Hayes, George Michael…). US$9,99.

Album Title Goes Here < – deadmau5

Falando em eletrônica, temos neste álbum do deadma5 música verdadeiramente hipnótica. Como não sou especialista no estilo, trago uma das poucas referências que tenho na manga: é tão bom quanto Chemical Brothers. Deve dar um banho no Passion Pit, indie inofensivo que se apresenta no mesmo horário. US$9,99.

Tokyo Savannah – Tokyo Savannah

Já falei (bem) desses brasileiros aqui. Puro rock'n'roll-trilha-de-filme-B-de-ficção-científica. Você pode comprar o disco no iTunes por US$9,99 ou baixar de graça com a anuência da banda neste link.

Tropical Splash – Copacabana Club

Dois casais de Curitiba fazem uma dance music suingada misturada com rock em inglês, com ecos de Madchester. Vale a pena ouvir! Infelizmente, tocarão no mesmo horário do Of Monsters and Men, o que torna esse excelente álbum de estreia do Copacabana Club essencial e obrigatório. US$10,99.

Tostado – Perrosky

Um álbum espetacular de rockabilly chileno, com toques de blues e punk. Esse Perrosky será a melhor surpresa do 1º dia do Lollapalooza, marque estas palavras! US$7,92.

***

Bom para: pra quem vai, se preparar para cantar todas no Lollapalooza. Pra quem fica, curtir boa música nos fones de ouvido.

Postado com o Blogsy

O quê: basta clicar na capinha que o link te leva direto ao iTunes.

Os preços estão em dólar —para chegar no valor em reais, basta multiplicar pela cotação do dia e somar o IOF (ou então multiplique por 2 e uns quebrados que dá pra ter uma noção). Aproveite, que os preços baixos não são para sempre.

Brothers (Deluxe Edition) – The Black Keys

Depois de 2 ou 3 anos com meu amigo londrino insistindo pra eu ouvir os Black Keys, me rendo à mistura de rock e blues que remete ao Led Zeppelin em seus melhores momentos. Um White Stripes mais bem acabado, o que não é pouco. Se tiver que escolher um álbum desta seleção, é esse! Por US$6,99.

Attack and Release – The Black Keys

Olhaí a dupla de Ohio (um abraço, Drew Carey!) aparecendo de novo. Um álbum mais eclético que Brothers, adiciona rock à la ZZ Top e baladas caipiras ao repertório. US$6,99.

Tonight: Franz Ferdinand – Franz Ferdinand

Fazia tempo que não escutava Franz Ferdinand. E foi bom saber que no 3º álbum eles continuam afiados. Rock dançante e alegre, por US$6,99.

You Could Have It So Much Better – Franz Ferdinand

O 2º álbum dos escoceses traz mais art-rock e um diálogo com Eleanor Rigby dos Beatles. US$5,99.

Franz Ferdinand (Special Edition Version) – Franz Ferdinand

Pra completar a discografia do Franz, versão especial do disco de estreia, com 5 músicas extras, por apenas US$5,99.

Lullabies to Paralalyze – Queens of The Stone Age

Músicas com peso e velocidade nas guitarras, no baixo e na bateria, ladeando a voz suave de Josh Homme. No meio da pancadaria, baladas rudes e fantasmagóricas (a que abre o disco lembra Tom Waits). US$ 6,99.

Backspacer – Pearl Jam

O último e subestimado álbum do Pearl Jam é qualquer coisa como perfeito. (Mais um) ponto alto dos veteranos de Seattle. US$6,99.

Hot Fuss – The Killers

Se hoje o som dos Killers soa completamente diferente, seu primeiro álbum de indie rock'n'roll ainda é cheio de pequenas pérolas. US$6,99.

At War With the Mystics – The Flaming Lips

Viagem sonora. A psicodelia dos Flaming Lips ora parece Beattles e Beach Boys submersos em ácido com excertos eletrônicos, ora parece um passeio hippie no campo. US$8,99. Mas por dois dólares a mais, você pode ter a versão Deluxe (neste link) com mais 4 músicas, incluindo uma cover corajosa de Bohemian Rhapsody.

Hear It Is – The Flaming Lips

O indefinível som dos Flaming Lips traz baladas com violões, punk (!), hard rock (!!), pós-punk (!!!), a zoeira sonora dos Pixies (!!!!) e até uma cover de Eddie Cochram (!!!!!). US$8,99.

Lex Hives (Deluxe Version) – The Hives

Quinto e mais recente álbum dos suecos que fazem um punk rock acelerado, barulhento e amalucado. Essa versão Deluxe traz 2 músicas bônus produzidas por aquele Josh Homme. Diversão garantida por US$6,99 (a versão comum está 3 doletas a mais, não vá se confundir).

Nem Sempre Tão Normal – Vivendo do Ócio

Por US$5,99, você pode ouvir essa espécie de Strokes da Bahia. No mínimo, curioso.

Employment – Kaiser Chiefs

Rock alegre que remete à Kinks, Animals e Supergrass. US$6,99.

***

Bom para: pra quem vai, se preparar para cantar todas no Lollapalooza. Pra quem fica, curtir boa música nos fones de ouvido.

Postado com o Blogsy

O destaque para Natalie Portman no cartaz (com V relegado ao 2º plano) já quer dizer alguma coisa, não?

a hq

Se a arte da escola inglesa de quadrinhos dos anos 80 parece datada —com sua narrativa suja, abarrotada de quadros por página e que causa certa confusão visual, uma sensação claustrofóbica advinda da miríade de elementos espremidos—, o mesmo não se pode dizer da história.

V de Vingança traz um Alan Moore afiado. Muito suspense, plot twists de tirar o fôlego e, principalmente, uma ótima caracterização geopolítica pós-apocalipse. Você consegue sentir essa Londres que (sobre)vive num estado totalitário pulsar e respirar de forma cautelosa, sob o peso da opressão.

O roteiro não é perfeito. Particularmente, o desmoronamento moral do Líder fascista me pareceu uma solução fácil, pra não dizer infantil. Mesmo assim, pequenas falhas como essa não são suficientes para tirar o brilho da engenhosidade de Moore e Lloyd, que constroem um cenário tão hermético que é capaz não só de justificar, como de convencer o leitor de que o terrorismo anarquista de codinome V é a única saída para a tirania. Um feito e tanto, se considerarmos que suas táticas e métodos são tão monstruosos quanto os do regime que combate.

o filme

A pior coisa que você pode fazer é ler os quadrinhos antes do filme. Ou, melhor dizendo, a pior coisa que você pode fazer é assistir ao filme.

Bastam 10 minutos para entender e dar razão à Alan Moore, que renega toda obra cinematográfica baseada em seus livros.

Flagra: o instante em que Moore termina de ler o roteiro do filme.

(Inclusive, nos créditos, o filme é somente “baseado na obra visual de David Lloyd“. Alan Moore fez questão de não aparecer —e, por tabela, abrir mão de uma tonelada de grana)

Tudo o que é construído de forma meticulosa nos quadrinhos é simplificado, sanitizado e pasteurizado na tela, a ponto de ficar irreconhecível. Perde-se a sutileza e, em troca, somos agraciados com puro maniqueísmo.

Codinome V, a alma dessa vendetta, é o aspecto mais corrompido. Deixa de ser uma força ideológica para tornar-se um super-humano, no que é talvez o maior caso de falha de interpretação de texto que Hollywood já incorreu. Todo o propósito de V nos quadrinhos é dar poder ao ideal, eliminando qualquer traço de humanidade do protagonista. Já o filme toma exatamente o caminho contrário, acrescentando personalidade, dúvidas e dores de amor ao personagem, humanizando e adulterando V.

Pelo menos, V ganha um belo avental! #not

Fosse só (!?) isso, teríamos apenas mais um caso corriqueiro de Hollywoodização. Mas o problema vai além quando o filme não se sustenta por si, a despeito do fator adaptação.

Natalie Portman tem uma atuação sofrível. Caricata e careteira ao extremo, não transmite um pingo de emoção genuína. Parece estar atuando em peça de colégio. E pode-se dizer o mesmo de William Hurt no papel do alto-chanceler Adam Sutler. Hurt está num piloto automático de pastiche de Hitler, causando ainda mais contraste com o propósito da narrativa de Alan Moore.

Acima: William Hurt em momento O Grande Ditador. Abaixo: Natalie vive seu dia Carolina Dieckmann.

Nesta entrevista publicada no Omelete, por exemplo, o autor fala justamente de como tentou fugir do clichê do nazista crápula (grifos meus):

“Você tem que amar os personagens. Isso foi algo que eu descobri quando estava escrevendo V de Vingança. Quando fui escrever os nazistas eu percebi que estava tratanto eles quase como caricaturas de nazistas. Todos eles, mais ou menos, tinham monóculos e os clichês de sempre. E eu pensei “Nazistas de verdade não são assim, nazistas de verdade são pessoas normais.” É de lá que eles vieram. Eles eram limpadores de rua e padeiros e açougueiros que apenas colocaram um uniforme quando lhes pediram isso. Então, eu tentei criar seres humanos críveis que tivessem escolhido o fascismo por alguma razão, e descobri que alguns deles ainda eram personagens desagradáveis, mas provavelmente para entender os personagens você tem que amá-los de alguma forma, olhá-los sem julgamento e sentir um pouco de pena deles.”

Até o regime fascista do filme falha em se mostrar opressivo. Pelo menos, é essa a impressão que fica quando se vê as famílias-margarina retratadas: parecem um bando de bobalhões de classe média alta. Não há medo, apenas normalidade.

A única imagem que presta não está no livro: é o vagalhão de Vs tomando de volta o poder político. E ainda assim, funciona apenas visualmente, já que corrobora a tese do parágrafo anterior, do fascismo-banana. Militares pró-regime fortemente armados que se entregam sem disparar um tiro? Por muito menos, e em situações bem mais adversas, vemos chacinas diariamente nas páginas do noticiário internacional.

Talvez, o mais irônico disso tudo seja que a crítica nerd tenha adorado o filme em peso na época de seu lançamento (eu incluso, embora o espinafrando.com ainda não existisse). O adjetivo mais usado foi “corajoso”, por apresentar uma “metáfora inteligente do governo Bush”. Será que estávamos todos tão ansiosos por uma adaptação Vertigo para as telas que ficamos cegos para a ruindade do trabalho de James McTeigue? Será que os Wachowski, produtores e roteiristas de V de Vigança, ainda tinham tanto crédito acumulado pelo primeiro Matrix que nublaram nosso discernimento? Não tenho repostas. Mas é no mínimo curioso que o selo Vertigo, sinônimo de entretenimento adulto e de vanguarda nos quadrinhos, se torne símbolo de infantilização e de narrativas convencionais quando transposto para o cinema.

o veredicto

Uma luta injusta com um resultado acachapante para o time da casa. Foram 3 parágrafos de argumentos consistentes a favor da HQ e uma montanha de palavras contra o filme para desopilar o fígado.

O codinome V do filme, após o confronto com sua contraparte dos quadrinhos.

Postado com o Blogsy

filmes

Meia-Noite em Paris

Há pelo menos duas décadas, escuto a crítica soltar o mantra: “é um Woody Allen menor, mas ainda assim um Woody Allen menor é melhor do que 90% do que está em cartaz atualmente”.

Pois bem, Meia-Noite em Paris parece ser uma resposta bem-humorada à crítica, já que trata exatamente do desprezo endêmico pelo presente em detrimento ao passado idealizado, ou a Síndrome da Era de Ouro.

É um filme divertido, verdadeiro álbum de figurinhas da arte, música e literatura dos anos 20. Um filme pop em sua essência, cheio de diálogos engraçados, espécie de cruzamento entre De Volta para o Futuro, Inception e Cinderela (com a pegada Woody Allen, é claro).

Traz ótimos coadjuvantes (destaque para o Loki Tom Hiddleston como F. Scott Fitzgerald, Corey Stoll —o congressista Peter Russo de House of Cards– como Ernest Hemmingway, e a encantadora Marion Cotillard no papel de Marion Cotillard), mas peca na escalação do inexpressivo Owen Wilson como protagonista, um dos piores atores de sua geração. Mesmo assim, uma ótima matinê.

Meia-Noite em Paris é perfeito para nos lembrar que o pop de ontem é o cult de hoje.

hq digital

Marvel #1

O que acontece quando a maior editora de quadrinhos de super-heróis do mundo anuncia no festival cultural South by Southwest que distribuirá DE GRAÇA mais de 700 edições número 1 de suas séries para todo o mundo?

O caos, meus amigos. Acontece o caos.

A Marvel foi a responsável pela proeza, que além de agradar ao público, também serve como importante instrumento de marketing. Mais do que colocar a marca em evidência, a distribuição da 1ª edição de uma história serializada é o melhor jeito de fisgar novos viciad… er… novos leitores.

O lance todo deveria ter acontecido através do nosso bom e velho conhecido ComiXology, começando neste domingo e valendo até terça-feira. Havia de tudo um pouco: séries novinhas em folha como The Uncanny Avengers (por Rick Remender e o inacreditável John Cassaday) e All New X-Men (com roteiros do Brian M. Bendis), FF (arte do sempre brilhante Mike Allred!) e Young Avengers (pela dupla Kieron Gillen & Jamie McKelvie); mega-eventos como AvX e Guerra Civil; as primeiríssimas edições clássicas de Vingadores e Quarteto Fantástico; e mais uma série (com o perdão do trocadilho) de coisinhas apetitosas.

O leitor mais atento deve ter notado os verbos no passado. Deveria e havia porque os servidores simplesmente não aguentaram o tranco. Inclusive causando efeitos colaterais, como o sumiço de toda a biblioteca de compras anteriores dos usuários da plataforma e a impossibilidade de vender HQs para todas as outras editoras sob o guarda-chuva do ComiXology (da gigante e concorrente DC a editoras independentes como a MonkeyBrain, que só publica digitalmente).

Resultado: o CEO do ComiXology teve de vir a público para se desculpar e anunciar que a promoção está em “pausa” (até que a equipe técnica bole uma maneira de atender a demanda), e para assegurar que todos terão direito a seus gibis digitais gratuitos.

O Comics Alliance publicou um editorial superinteressante sobre os perigos da economia baseada na Nuvem e até o desleixo das grandes companhias tentando se adaptar a uma nova realidade de negócios —artigo que você pode ler aqui, em inglês.

O mais engraçado (ou triste, para ser mais exato) foi acompanhar o poder de avalanche das redes sociais. Quando a situação parecia estar perto de se normalizar, bastava um autor popular como Brian M. Bendis anunciar o fato no Twitter para a turba desenfreada de dezenas de milhares de seguidores inundar os servidores com suas requisições e travar tudo novamente em questão de segundos. É de se pensar o que aconteceria se algo ainda maior ocorresse com algum artista mainstream (digamos, se o U2 liberasse sua discografia de forma gratuita no iTunes por algumas horas).

Não tá fácil pra ninguém…

Quem diria que o aparentemente infinito conteúdo digital poderia ficar em falta?

Postado com o Blogsy